Cine y modernidad en los inicios del siglo XX, a partir de Benjamin, Heidegger y Epstein

Las significativas mutaciones en la idea y usos de la modernidad que se evidencian en las últimas décadas del siglo XIX y principios del siglo XX, especialmente desde 1870, generaron un clima en la vida cotidiana occidental en el que destacaban, entre otros rasgos, la sobreestimulación sensorial, la velocidad y la distracción y la sensación efímera de una rápida aglomeración de imágenes y sonidos cambiantes.  El uso cada vez más cotidiano de la fotografía, multiplicadora del consumo iconográfico, la aviación y sobre todo los populares viajes en tren o automóvil, a velocidades entonces vertiginosas para los ciudadanos europeos o norteamericanos, fueron pilares esenciales de la reconstitución de modernidad en los inicios del siglo pasado. La percepción del mundo circundante se tornará así fragmentaria e imprecisa o, en otros términos, resultará el producto de la aguda, la profunda discontinuidad en el destello de una simple mirada, del brío de las impresiones inesperadas, como definía filosóficamente esta sensación George Simmel en 1903.

Un arte nuevo, el cinematógrafo, va a resultar el depositario, y a la vez impulsor, de las transformaciones en el concepto y los usos de la modernidad en los inicios del siglo XX (Ruiz-del-Olmo, 2019). Naturalmente el cine va a entroncar rápidamente con la aceleración, con las sensaciones rápidas y cambiantes, con la importancia de lo momentáneo y a la vez con la imposibilidad de su aprehensión, que institucionaliza la vida moderna en los albores del citado nuevo siglo. Autores de diversa extracción teórica como Walter Benjamin, Martin Heidegger o el realizador y teórico del cine Jean Epstein, van a reflejar en sus obras las nuevas experiencias filosóficas o meramente sensoriales de esta nueva modernidad que acertadamente fija el cine. También los textos de Noël Burch, mucho más recientemente, aportan claves sobre la práctica fílmica de las primeras décadas y resultan útiles para reconstruir las paradojas y los cambios en la concepción de la modernidad, variaciones a las que el cine coadyuva activamente.

Nuestro recorrido parte de dos autores críticos de la modernidad como es el caso de Benjamin y de Heidegger. Para este último, durante el preciso momento de la visión “nada puede ocurrir” en el sentido que se trataría de una mera sensación sin significado. Por tanto, durante el mismo instante de la visión su referente no significaría nada puesto que el conocimiento sería inmediatamente posterior. El conocimiento del momento y la sensación del momento nunca transcurren de esta forma al mismo tiempo. Heidegger presenta así las consecuencias del tiempo en la modernidad: si el conocimiento y la sensación no son instantáneos, el concepto de tiempo presente es siempre relativo, el presente puede ser reconocido sólo cuando se ha convertido en pasado.

El dispositivo técnico de la proyección cinematográfica utilizó también el mismo principio, esto es, la proyección a determinada velocidad de los fotogramas por segundo, lo que provocó en el espectador una sensación de continuidad en el movimiento auxiliado por la persistencia retiniana que colaborará finalmente en la percepción del movimiento. El significado que el espectador cinematográfico atribuye a la realidad filmada sería inmediatamente posterior. Puesto que la nueva modernidad que se inaugura al finalizar el siglo XIX multiplica la velocidad de los viajes y de los acontecimientos de los seres humanos, y puesto que éstos son además sometidos a un incremento considerable de estímulos visuales, se produjo como resultado una cierta e incipiente desagregación del tiempo en el que las personas del mundo occidental vivían. Mas aún, y siguiendo la lógica de Heidegger, el procesamiento de significados a posteriori de los estímulos audiovisuales cada vez más rápidos y fugaces indujeron, para las prácticas de la modernidad, la sensación de falta de tiempo junto con la inexistencia o siquiera fugacidad del presente. La posibilidad de un presente sensorial en contraposición a la alineación de la modernidad precedente es un camino que explica la noción de “shock” o de impacto a la que se referirá Walter Benjamin. Y también, como veremos, a la concepción de Jean Epstein de “photogénie”, fotogenia o el citado momento de visión de Heidegger. Para este último entonces, nuestra experiencia del momento de la visión es un camino no racional y su ejercicio nos deja con la sensación de estar presente dentro del presente.

Walter Benjamin, reflexionando en el Berlín de los años treinta, anotaba los rasgos de la modernidad urbana que había emergido en París a finales del siglo XIX. Esa nueva existencia moderna dirigió a Benjamin a escribir su ensayo sobre Charles Baudelaire, autor emblemático porque a su juicio con él se inició un cambio en la estructura de la experiencia sensorial y en su ulterior plasmación artística. En concreto, este cambio se dirigió hacia lo momentáneo y lo fragmentario, cualidades que para Walter Benjamin transformaban la naturaleza y la experiencia del tiempo del arte y de la historia. Este tema se encuentra muy presente como es sabido en la obra de Benjamin y, como monográfico permaneció inacabado con su muerte en 1940. Como en la propia naturaleza del tema al que nos referimos, sus textos fueron en ese sentido fragmentados y fragmentarios.  A menudo no encontramos en su obra un argumento lineal sino una serie de ideas, observaciones o notas sin transiciones definidas. Entre ellas sobresale la noción de Benjamin en la que asociaba el collage conceptual con el montaje cinematográfico: “En el rodaje de una escena cinematográfica no existe ese emplazamiento. La naturaleza de su ilusión es de segundo grado; es un resultado del montaje (…) despojada de todo aparato la realidad es en este caso sobremanera artificial, y en el país de la técnica, la visión de la realidad inmediata se ha convertido en una flor imposible.”  Los textos inconclusos del autor insisten en que la naturaleza de la percepción en la modernidad que se forja en las primeras décadas del siglo XX era intrínsecamente fragmentaria.

Dicho de otra forma, el trabajo de Benjamin sugiere también una interdependencia entre el momento y el fragmento como forma de expresar la primacía del momento en la experiencia de la nueva modernidad.  Y Benjamin utilizó asimismo un método fragmentario en su exposición, de tal forma que la historia y la crítica de la modernidad fue mostrada de una manera similar a la de la propia modernidad, es decir, fugaz, imperfecta, impactante. La noción del pasado para Benjamin puede ser medida sólo como una imagen que parpadea en un instante y, después de ser reconocido, desaparecer. Al igual que Heidegger, Benjamin unía la posibilidad de la presencia de la visión con la sensación visual; el rescate de lo presente era inútil, siempre se encontraría irremediablemente perdido al ser inmediatamente sustituido por uno nuevo. Su concepción filosófica de la modernidad, en este sentido, partiría de una tradición concebida como una continua acumulación lineal hacia una experiencia de impactos, de choques que bombardeaban la experiencia subjetiva. Por ello hemos indicado la obra de Baudelaire como representativa para Benjamin, puesto que éste ubicaba las experiencias impactantes, chocantes, sorprendentes de la vida moderna como el centro mismo de su trabajo artístico e indicaba lo que la edad moderna había conseguido con esta permanente colisión de experiencias constantes, impactantes y fugaces: la desintegración del aura artística en la experiencia del impacto, del shock.

Para Benjamin “la reproducción técnica de la obra de arte lo que se atrofia es el aura de ésta (…) la técnica reproductiva desvincula lo reproducido del ámbito de la tradición.” Pero el cine, respecto a las demás artes, tendría un agravante, un rasgo distintivo que lo alejaría aún más de las tradiciones y referencias artísticas del pasado. En efecto, en las obras cinematográficas la posibilidad de reproducción técnica no es una condición extrínseca como en las obras literarias o pictóricas, sino que la reproducción técnica de la obra fílmica se encuentra dentro de la propia naturaleza del cine. Por ello el cine, técnica de la selección arbitraria y de la reproducción, es señalado por Benjamin como un destructor eficaz de la citada tradición artística. El cinematográfo es para Benjamin “destructivo, catártico”, y su valor es “la liquidación del valor de la tradición en la herencia cultural. Este fenómeno es sobre todo perceptible en las grandes películas históricas.”  Benjamin contradice irónicamente al cineasta francés Abel Gance cuando en 1927 afirmó movido por un entusiasmo ilimitado hacia el medio que “Shakespeare, Rembrandt, Beethoven, harán cine… todas las leyendas, toda la mitología y todos los mitos, todos los fundadores de religiones y todas las religiones incluso… esperan su resurrección luminosa, y los héroes se apelotonan, para entrar, ante nuestras puertas”. Benjamin concluye, no sin amargura: “nos estaba invitando, sin saberlo, a una liquidación general”.  El pesimismo crítico del autor puede ser entendido, y así lo hacemos aquí, como el resultado de su fina clarividencia del cambio en la experiencia de la percepción humana: “El cine es la forma artística que corresponde al creciente peligro en el que los hombres de hoy vemos nuestra vida la necesidad de exponerse a efectos de choque es una acomodación del hombre a los peligros que le amenaza el cine corresponde a modificaciones de hondo alcance en el aparato perceptivo, modificaciones que hoy vive a escala de existencia privada todo transeúnte en el tráfico de una gran urbe, así como a escala histórica cualquier ciudadano de un estado contemporáneo”

En definitiva, para Benjamin el concepto de shock, golpe sensorial o impacto perceptivo incluía un “constante y repentino cambio” similar a los avatares de la vida moderna y por supuesto equiparable a la experiencia cinematográfica. La experiencia de dicho choque continuo sería la experiencia del momento que se repite continuamente, el momento del impacto nos induciría a la sensación y después a la conciencia. El presente ocurre y se define sólo como una sensación. Finalmente, el cine se convirtió en el arte que representó esta experiencia temporal de la modernidad y la ruptura con la tradición y la linealidad sosegada del pasado artístico.

Otro autor que indagó y a su manera capturó esta conexión entre una cierta estética emergente del cinema y alguno de los rasgos de la filosofía de la modernidad fue Epstein. El ensayista, teórico y director cinematográfico Jean Epstein, de origen polaco, pero con una obra desarrollada casi por completo en Francia, firmó un texto sobre la fotogenia, escrito siete años después de otro documento sobre la misma temática construido por Louis Delluc, pero elaborado, sistematizado y también apasionado. Epstein compartió su entusiasmo cinematográfico vanguardista en Francia con el citado Louis Delluc y Germaine A. Dulac, tras la Primera Guerra Mundial. Este realizador cinematográfico y teórico del nuevo medio escribió en los años veinte que la esencia del cine se elevaba desde la forma del momento sensorial que él llamó fotogenia. Fragmentos evanescentes de la experiencia cinematográfica que nos proporciona un placer que el espectador no puede describir verbalmente o racionalizar cognoscitivamente.

El mismo Epstein encuentra grandes dificultades en definir la fotogenia, aunque concluye que “denominaría fotogénico a cualquier aspecto de las cosas, de los seres y de las almas que aumenta su calidad moral a través de la reproducción cinematográfica”. Lo fotogénico como valor más elevado e importante del nuevo cinema sólo puede desarrollarse en lo móvil, cualidad constitutiva de la modernidad que se había venido gestando: “Solo los aspectos móviles del mundo, de las cosas y de las almas pueden ver su valor moral aumentado por la reproducción cinegráfica”. Por el contrario, para Epstein el cine debería alejarse de los temas narrativos, históricos, educativos o documentales. Respecto a la fragmentación espacial y en concreto a la fragmentación de los cuerpos mediante los primeros planos Epstein señalaba que “al ser dramáticos, parecen vivos, como si estuviesen situados en la evolución de un sentimiento”, y que “todos los aspectos del mundo, llamados a la vida por el cine, solo son elegidos a condición de tener una personalidad propia.”

La paradoja para Epstein y también para la misma modernidad consiste en que la esencia del cine responde a cualidades que no pueden ser descritas, cuantificadas, o especificadas. La esencia cinematográfica para él nos elude, es inalcanzable, se nos escapa en su perpetuo movimiento. Para este cineasta esa esencia cinematográfica no reside en las capacidades narrativas, ficcionales del filme sino por el contrario en sus momentos efímeros, evanescentes, en las sensaciones poderosas que ciertas imágenes nos producen. A modo de ejemplo asevera que “un primer plano del ojo ya no es el ojo, es un ojo: es decir, el decorado mimético en el que súbitamente aparece el personaje de la mirada…”

En estos textos Epstein sugiere que el movimiento acelerado a través del espacio y el tiempo crea un entorno de fluidez, de sensaciones efímeras y de desubicación geográfica que se identifica con el arte cinematográfico. Precisamente su perpetua movilidad y su indefinición dificultan la dilucidación de la esencia del cine. Definitivamente en los textos de Epstein el cine se convierte emblemáticamente en la modernidad por su capacidad para transformar simultáneamente el espacio y el tiempo, mientras dota a ciertas realidades preferentemente móviles de fotogenia.

Al igual que Heidegger, Jean Epstein se refiere al momento presente como algo donde colisiona el pasado y el futuro y resulta imposible asirlo o describirlo. El cinematógrafo sería la forma artística emergente que mejor viene a refleja esta paradoja, esta realidad temporal. Al mismo tiempo sugiere que el momento de la impresión cinematográfica que detalló como intenso, cambiante, inasible y efímero resultaba excepcional en el sentido de que resultaba ajeno a lo cotidiano. Esta desavenencia con lo cotidiano ocurría en el cine por comparación entre el presente cinematográfico y la realidad posterior, y en concreto para Epstein sucedía en la intersección entre la reproducción mecánica que nos ofrece el cine y el mundo externo al formar parte de la fotogenia: la realidad en pantalla difiere así de lo que fue anteriormente. Los objetos, las personas se convierten en nuevos, por el contexto en el que son expuestos, incluso si han tenido referente real enfrente a la cámara durante el proceso de filmación. En la definición de fotogenia la repetición de la realidad marca la diferencia con la propia realidad.

Con anterioridad al año 1908 la primitiva tecnología fílmica no permitía contar historias en la pantalla de una gran extensión. Por el contrario, la industria cinematográfica contaba con unas rígidas normas de producción y exhibición. Entre ellas la duración de las películas, que raramente sobrepasaba el cuarto de hora. Predominaban, por economía de montaje, y por inteligibilidad los planos medios o los planos generales; el montaje resultaba ser una simple unión de cuadros cinematográficos que se iniciaban con una entrada en cuadro de los actores y finalizaban con su salida, siguiendo convenciones teatrales. Se trataba de un cine de atracción por lo cotidiano, lo momentáneo, que contaba incidentes y pequeñas narraciones. Recordemos cintas como las salidas de los obreros, los trenes en las estaciones, los juegos de cartas, el baño de un bebé o la diversión en la panadería como títulos de filmes que mostraban precisamente eso, el placer de unos instantes. Mas que historias elaboradas, complejas y que evolucionaban temporalmente reflejaban momentos usuales, incidentes o narraciones puntuales. Muchas de estos episodios resultaban muy atractivas para el público y las imágenes resultaban asimismo impactantes para los espectadores, como retratos en movimiento de momentos reconocibles.

Aunque desde el desarrollo de la obra de Griffith y otros autores, el cine se involucró en contar historias más largas, complejas y dramáticas, en continuidad y linealidad, el arte cinematográfico no perdió del todo la atracción por determinadas imágenes impactantes, sabiamente ubicadas entre el metraje de la cinta cinematográfica por el director. Las historias de la cinematografía nos recuerdan los desencuentros del director estadounidense con su productora, la compañía Biograph, en su ambición de contar en imágenes historias complejas y duraderas y por lo tanto su necesidad de mayor cantidad de película: dos, tres, hasta ocho rollos. Resulta revelador señalar de todas formas que el concepto de montaje y su utilización sistemática en el cine se produjo de forma relativamente tardía, especialmente las nociones y usos del montaje rítmico, desarrolladas progresivamente por Griffith entre 1910 y 1916; por el contrario, la composición plástica de los planos ya está presente en los primeros filmes italianos de carácter historicista y espectacular. Como es sabido, el dominio de la composición de los planos y de las formas arquitectónicas fue previo a la articulación del tiempo en el montaje cinematográfico. De forma ejemplar, Jean Epstein se referirá admirativamente al filme La rueda (1923) de su compañero Abel Gance, como ejemplo de las variaciones que el cine podía perpetrar con la dimensión espacial y temporal de la realidad.

La ruptura de la continuidad narrativa fílmica por planos de fuerte atracción e impacto para los espectadores fue identificada en 1923 por el cineasta soviético Sergei Einsestein, aunque referida inicialmente a las técnicas teatrales. Para Einsestein estos fragmentos fílmicos no serían más que momentos agresivos situados estratégicamente en el relato para producir impactos emocionales, profundas impresiones, en el espectador. Einsestein identificó estos momentos resueltos técnicamente en su denominado montaje de atracciones como momentos álgidos que poseían su propio orden independientemente de la totalidad fílmica y de la lógica narrativa tradicional y ofrecían al espectador una forma de experiencia diferente, impresionante y mucho más intensa que el discurrir lineal de la historia.

Referencias:

Benjamin, Walter: “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”, en Discursos Interrumpidos I, Taurus, Madrid, 1975.

Charney, Leo y Schwartz, Vanesa R. (Eds.): Cinema and the invention of modern life. University of California Press, Berkeley, 1995.

Jay, Martin: “Scopic regimes of modernity”, en H. Foster (ed.), Vision and Visuality, Bay Press, Seattle, 1988.

Rodowick, D. N.: The crisis of political modernism, University of California Press, Los Angeles, 1994.

Romaguera, Joaquim y Alsina, Homero (Eds.): Textos y manifiestos del cine. Cátedra, Madrid, 1989.

Ruiz-del-Olmo, Francisco-Javier. “Apuntes sobre el cine y la modernidad en los inicios del siglo XX”. Zenodo, 2019. doi:10.5281/zenodo.3369348.

              

Debates televisados en España: Twitter y la política visual expandida

La confrontación política en los medios comunicativos durante las campañas electorales, y las diversas formas de comunicación política han sufrido una profunda trasformación. La forma de hacer campaña y gestionar la misma supone un reto singular para partidos y candidatos, ya que las nuevas prácticas de recepción y generación de contenidos por parte de las audiencias, así como la creciente importancia del papel difusor de las redes sociales, están cambiando la forma de entender la comunicación política.

En España, tras la celebración de un primer debate televisado en 1993, la sociedad española estuvo 15 años sin nuevos referentes visuales, hasta que en 2008 se comenzaran a realizar de nuevo y de forma habitual en todas las campañas venideras. Por las singulares características del modelo mediático y político español en la transición democrática, los debates televisados entre candidatos a la presidencia de Gobierno siempre han generado una gran expectación entre el público español. Tras la victoria del Partido Socialista Obrero Español en 1982 se había perpetuado en España un modelo mayoritariamente bipartidista, hasta las pasadas elecciones de 2015, donde el Congreso de los Diputados se ha convertido en un escenario más fragmentado políticamente y multipartidista, recogido en la formación de este y en la forma y temática de los últimos debates televisados.

Puesto que éstos no están recogidos ni regulados en Ley Orgánica del Régimen Electoral General de 1985, junto con el carácter tradicionalmente poco transparente y escasamente abierto a la sociedad de las formaciones políticas, han afectado decisivamente a que en España no hayan tenido lugar estos debates de forma habitual hasta 2008. Por otra parte, tampoco existe ningún tipo de organismo, como ocurre en otros países como Estados Unidos, con la Comisión para los Debates Presidenciales, que velen por el desarrollo de estos.

En el texto de Ruiz del Olmo y Bustos (2017) se analizan a génesis histórica y la nueva política mediática expandida entra la televisión tradicional y Twitter. Así se describe cómo el primer debate se produjo en 1993, entre los candidatos Felipe González y José María Aznar y se retomó en 2008 con José Luis Rodríguez Zapatero y Mariano Rajoy, manteniéndose hasta los comicios generales de diciembre de 2015. Sin embargo, la tendencia ya consolidada a que se realicen debates en televisión entre candidatos en periodo electoral se ha convirtiendo en habitual; un análisis de su estructura y contenido permite distinguir a los autores dos grandes tipos de debate:

  • El primero de ellos incluye los producidos en 1993 y 2008 en el que primó el cuestionamiento mutuo de la legitimidad democrática del adversario y en la agitación de la hostilidad entre los territorios y los bloques políticos, produciéndose el agrupamiento del voto en dos bloques ideológicos y la polarización del debate político en la esfera pública. En cuanto a su estructura y desarrollo televisivo los candidatos se mostraban sentados, en una postura altamente estática, ritual y encorsetada en cuanto al diálogo o las réplicas entre los políticos; si un debate busca la confrontación de ideas, la disposición de estos encuentros no era representativa para este fin, mostrando una evidente rigidez escénica y coadyuvando al modelo político bipartidista.
  • Un segundo tipo tiene lugar a partir del debate televisado del 7 de noviembre de 2011. Un elemento singular de este debate es la interacción, no deseada o prevista por los candidatos, y la réplica de contenidos por los usuarios de forma ya masiva en la esfera digital. Puede así considerarse el primer debate donde las redes sociales tuvieron una presencia significativa en el desarrollo, difusión y generación de contenidos por parte de los espectadores. Fue entonces el primer encuentro donde además de las numerosas repercusiones en los medios de comunicación tradicionales, formaron parte imprescindible del debate las redes sociales, especialmente Twitter.

Todo ello marcó un punto de inflexión en la difusión mediática de la comunicación política española, donde Twitter es parte imprescindible de este tipo de debates televisados que desde el año 2011 se enmarcan dentro de la denominada Televisión 2.0 o Social TV. En definitiva, el uso y la participación en Twitter a la hora de comentar, replicar, o ironizar sobre una retransmisión en directo de carácter político, es un hecho que cada vez está más asentado y que marca esta nueva generación de debates.

Una evolución más en la hibridación comunicativa entre el debate televisado y Twitter se ha producido en los debates y las campañas de 2015 y 2016, en consonancia con una etapa relativamente convulsa en la esfera política española, que sumaba la crisis económica a las numerosas denuncias por corrupción de la clase política, desarrollándose varios de estos encuentros televisados y en diferentes formatos. En ellos la participación paralela en la red social creció exponencialmente. Por otra parte, como elemento a destacar dentro de la evolución de los debates electorales en España, es el cambio de escenario y de actitud comunicativa, esto es, por primera vez en la historia, el 13 de junio de 2016, se enfrentaban los cuatro principales candidatos a la presidencia de Gobierno.

Desde el aspecto narrativo, el encuentro televisado (y por tanto masivamente “tuiteado”) que tuvo lugar el 7 de diciembre de 2015, se ha producido una ruptura esencial con el modelo de debate que hasta el momento se había desarrollado en el país. Por un lado, los candidatos se mostraban de pie junto a un atril, en actitud abierta y de cara a los dos moderadores, de ambos sexos, que recogían y trasladaban preguntas presentes en el debate comunicativo público, incluyendo las redes sociales, y a partir de los estudios sobre preocupaciones de los españoles elaborados por el Centro de Investigaciones Sociológicas. Este es otro cambio significativo, hasta el momento solo había habido un moderador por debate. La duración de este se amplió respecto a los anteriores, permitiendo mayor participación y temática; por primera vez se adoptó un modelo plenamente simétrico al estadounidense de confrontación televisada, más plural y dinámica, pero también más espectacular y dramática.

Fuente:

Ruiz del Olmo, F.J. & Bustos, J. (2017), La evolución del debate televisivo como herramienta de comunicación política. Análisis del caso español: de la televisión a Twitter. Informação & Sociedade: Estudos 27(2): 235-252

Estrategias discursivas del cine documental. El caso de En construcción (José Luis Guerín, 2001)

El filme documental En construcción es un magnífico fresco de “cosas vistas y oídas” sobre la transformación urbnística y ciudadana de un barrio barcelonés. El cineasta José Luis Guerín ha elaborado ese fresco documental con influencias de Robert Flaherty, y en concreto de una obra como Nanook el esquimal (1922), y también con referencias a autores como Ozu o Alain Resnais. De esta forma, en el proceso de filmación de En construcción, se utilizaron procesos de escritura similares a los Pilow Shots de los que hablara Noël Burch respecto al cine del japonés Ozu.

Como señalan de la Maya, Ruiz y Machuca (2017) esta obra muestra, como anuncia su título, muestra múltiples instantes de un proceso de edificación en el que se derriba un inmueble para después construir otro, entre los trabajos de hombres y máquinas, los comentarios de los vecinos, de los obreros, o la participación coral de diversos personajes. Se trata de mostrar y de documentar un proceso constructivo físico real y una política urbanística subyacente que a la postre alterará el paisaje urbano primero, y humano después, de una ciudad, Barcelona. El autor nos muestra en transformación, en proceso continuo, la construcción de una obra que se revela como la escala menor de un barrio y la superior de una vivienda.

En concreto, los personajes mostrados en la cinta representan el pasado, el presente y el futuro, que se intuye, de la vida de un barrio barcelonés, el Raval. Esta película ofrece, a su vez, un compromiso del autor con la ciudad, un interés en la problemática social que conllevan algunas propuestas urbanísticas y también con los procesos de creación artística, ya sea de una película, de una obra de arte o de una edificación. Toda la zona del Raval fue campo abierto y huertas agrícolas que abastecían a la ciudad y, ya en el siglo XIX, cuando se instalaron las fábricas, fue lugar de hacinamiento de los obreros provenientes de distintos sitios de España y del mundo. La iglesia se erige aquí no sólo como elemento visible del paso del tiempo, sino como elemento reconocible de un barrio que ha remodelado algunas de sus zonas con la consiguiente disminución de su población autóctona. Esta situación ha provocado un problema ciudadano en la zona, mezcla de turismo, nueva clase, migración no reglada y los vecinos de toda la vida, tal como señala Olga Merino en el diario El Periódico, y uno de los paradigmas de lo que trata y explica Manuel Delgado en La ciudad mentirosa (2007) sobre la ciudad de Barcelona. La calle se muestra en la cinta como el espacio simbólico de quienes a lo largo de los siglos han permanecido allí; son la gente que se ha quedado extramuros en el Raval, los más desfavorecidos, los gremios, las minorías o las fábricas, como bien refleja la película. La obra se centra en espacios del barrio que reflejan la problemática social que aún se mantiene como la calle Dels Robadors con las prostitutas y las calles que han sido regeneradas produciendo el efecto de gentrificación, como es la zona de la Rambla del Raval y el Boulevar y la calle Sant Pau que lo atraviesa por uno de los extremos. La desconexión del barrio, a partir de las viviendas tal como aparece en la película es un problema habitual.

Jan Gehl, arquitecto y docente en la Universidad de Copenhagen ha estudiado los modos de proceder de la gente en los espacios públicos con la idea de mejorarlos, un interés que se centra en la forma de proyectarlos para que se puedan seguir realizando estas actividades gracias a espacios de calidad. En ese sentido el propio Guerín reconoce la influencia de cineastas que muestran lo que él mismo busca: una mirada primigenia, virginal, pura sobre la realidad; estamos lejos aquí, por tanto, de lo que el teórico del cine Burch denominó “el viaje inmóvil”, que conseguía la introducción del espectador en el espacio diegético, de la narración fílmica, de tal modo que le permitiera vivir la experiencia de ubicuidad mediante y la identificación primaria con el objetivo de la cámara, donde “la experiencia de la película clásica nos interpela únicamente en tanto que individuos incorpóreos” (Burch, 1995: 250). Funciona en este caso y por el contrario como una “caja de mezclas”, de forma que la concepción espacial que percibimos es como si fueran fogonazos, trocitos de realidad que nuestra mentese encargará de enlazar. En su concepción visual se trató entonces de un proceso de escritura fílmica complejo en el que los signos de puntuación aparecían de forma repetitiva transfigurados en determinados encuadres vacíos: planos de cielo, chimeneas, tejados, etc.

Este documental, más que un género o estilo cinematográfico condicionado por rutinas estilísticas o de producción, se revela aquí como ámbito abierto capaz de asumir tanto postulados vanguardistas como de la propia ficción clásica (Vallejo, 2007), al servicio de las explicaciones del autor sobre el mundo. Las estructuras espaciotemporales son transformadas por Guerín en discontinuidades aleatorias, como las pinturas de Pollock o la música de John Cage. Si las pinceladas son aleatorias y aparentemente azarosas, no lo es la estructura, controlada, organizada más férreamente por Guerín. Ese compromiso no se basa tanto en lo político, lo social o lo sentimental (aunque haya ejemplos de ello en En construcción) sino que está basado en la metafísica; y ello junto con una especial mezcla de elementos realistas, poéticos o incluso costumbristas. Justamente, esa metafísica con la que atrae a su público se visualiza a partir de la transformación, del cambio del entorno de los personajes. Los cambios que filma Guerín son los del tiempo, los del espacio físico en el barrio y, sobre todo, los cambios en el paisaje humano (de la Maya, Ruiz y Machuca, 2017).

Rererencias:

Burch, Noel (1995). El tragaluz del infinito. Madrid: Cátedra.

De La Maya Retamar, R., Ruiz Del Olmo, F. J., & Machuca Casares, B. (2017). The transformation of Barcelona’s cityscape as pictured in José Luis Guerín’s 2001 documentary, en Construcción: An Aesthetic of Sediment). Revista Letral, (19).

Delgado, Manuel (2007). La ciudad mentirosa. Fraude y miseria del “modelo Barcelona”. Madrid: Catarata.

Gehl, Jan (2006). La humanización del espacio urbano. Barcelona: Editorial Reverté.

Vallejo, Aida (2007). “La estética (ir)realista. Paradojas de la representación documental”, en Doc On-Line, nº 2: 82-106. Recuperado de: http://www.doc.ubi.pt/02/aida_vallejo.pdf

Prototipo de interfaces para la gestión de contenido audiovisual

VertexZenit es un proyecto desarrollado en el ámbito universitario de la enseñanza de las Bellas Artes en la Universidad de Málaga, España, con un componente artístico-investigador de larga duración, basado en la programación de comportamientos audiovisuales y en la construcción de interfaces y su comunicación con la máquina. La evolución de la investigación muestra que tanto la tecnología como la programación aplicada pueden tener aplicación en distintos ámbitos sociales mediante un uso alternativo de la misma. Se han construido para ello máquinas interactivas propias, que pueden mutar según las necesidades de su entorno como parte del trabajo desarrollado. El estudio se centra en tres aspectos temáticos:

  • El trabajo de diseño tanto virtual como físico de estas interfaces (tanto
    para elaborar música electrónica y como video auto-generado),
  • La participación como elemento de producción,
  • Y, finalmente, la posibilidad de un repositorio de conocimiento colectivo.

La performance producida es fruto de esta evolución con el trabajo de diseño y prototipado de interfaces virtuales y físicas programadas y controladas con la computadora que venimos desarrollando. Para ello hemos utilizado en los diferentes proyectos dos programas de código libre, vvvv, a multipurpose toolkit1 (v4) y Pure Data2. El programa v4 tiene la cualidad de ser una herramienta multipropósito de programación modular que permite al usuario el diseño y la creación de interfaces personalizadas. Además, este programa posibilita la combinación de un entorno de programación en tiempo real con el concepto de control de parámetros basados en la línea de tiempo. Durante nuestro proceso de investigación nos hemos valido en ocasiones de esta herramienta para la gestión de vídeo y otras veces la hemos utilizado para generar Motion Graphics audio-reactivo. Enmarcamos nuestro proceso de trabajo dentro del concepto Bricoleur planteado por Levy Strauss en su texto The savage mind de 1966, focalizando la atención en dos puntos principales:

  • Por un lado, se busca visualizar diferentes usos que hemos dado a la tecnología en un campo de investigación interdisciplinar autogestionado, donde la formación a lo largo del tiempo se asume como modo de trabajo y se recopilan recursos para producciones alternativas. Como apunta Ben Shneiderman, la antigua informática trataba sobre lo que las computadoras pueden hacer. La nueva informática se centra en lo que pueden hacer las personas.
  • Por otro lado, se enfatizan las posibilidades que ofrece la tecnología en la ampliación del conocimiento mediante un aprendizaje auto-organizado. En este proceso centrado en el trabajo con software, hemos trabajado el diseño y construcción de sonido computacional con el programa Pure Data, explorando con él la expresividad matérica del sonido puramente electrónico mediante su digitalización y descomposición en bits, en microsonido (Roads, 2014). Una referencia mas completa del proyecto puede seguirse en http://dx.doi.org/10.5902/1983734824645

Referencias:

LÉVI-STRAUSS, C. (1966). The savage mind. Chicago: University of Chicago Press.
MENKMAN, R. (2011). The Glitch Moment(um). Amsterdam: Institute of Network Cultures.
ROADS, C. (2002). Microsound. Cambridge, MA, USA: MIT Press.

 

¿Qué es la Sonificación?

Definición y usos de la Sonificación

Fº Javier Ruiz del Olmo, José Vertedor.

En el ámbito de la creación y la representación audiovisuales contemporáneas, el término Sonificación puede definirse como la representación de la información usando el sonido sin voz, para facilitar la comprensión de los datos o los procesos de información mediante su escucha. También puede entenderse como la transformación de las relaciones entre los datos, en relaciones que se perciben en una señal acústica a los efectos de facilitar la comunicación o la interpretación de éstos (Asri e Ibrahim, 2014).

La Sonificación es un campo en desarrollo, a medio camino entre la representación científica y la creación artística sonora. Integra una amplia variedad de campos profesionales y permite ampliar la interacción entre los usuarios que acceden a la información y los datos reflejo de la representación de un fenómeno, en una gran diversidad de modalidades de escucha. Como ejemplo, en icad.org, Comunidad Internacional para la Visualización Auditiva, puede vislumbrarse algunas de sus aplicaciones. En el ámbito de los fines científicos, se emplea la expresión sonora y su audición como un complemento a la visualización de datos, con el fin de mejorar las técnicas actuales de análisis de información (Díaz-Merced, Candey, Brickhouse et al., 2011).

Otro ejemplo singular de recursos y experimentación en este campo del audiovisual contemporáneo es sonifyer.org; se trata de es un foro de investigación sobre sonificación, que permite entre sus recursos web al servicio del usuario poder escuchar los sonidos generados en el estudio a partir del procesamiento de la información. Para ello, sonifyer.org ofrece dos áreas centrales de interacción:

  • En el apartado “Sonido” se puedes escuchar sonidos resultado de la sonificación de datos así como proceder a su discusión pública.
  • Paralelamente en otro espacio se ha desarrollado un software de procesamiento de datos denominado Sonifyer, y destinado a ofrecer a los usuarios de una interfaz fácilmente entendible, rápida y eficiente para sonificar y escuchar los conjuntos de datos. Adicionalmente se incluye aquí, bajo el epígrafe “Soft y Hardware”, las últimas actualizaciones software del sistema, así como un foro de discusión e intercambio de información sobre estos procesos y sus posibles usos.

En definitiva, la Sonificación del movimiento tanto científico como artístico que ofrece una forma diferente de procesar la información, aún poco explorada pero en todo caso simétrica a la ahora omnipresente y pujante corriente de visualización de datos.

Referencias:

Asri, A., & Ibrahim, A. (2014) “Sonification of 3D Body Movement Using Parameter Mapping Technique”. In 2014 International Conference on Information Technology and Multimedia (ICIMU), pp. 385-389.

Diaz-Merced, W.L., Candey, R.M., Brickhouse, N., Schneps, M., Mannone, J.C., Brewster, S. and Kolenberg, K. (2011) “Sonification of Astronomical Data”, Proceedings of the International Astronomical Union, 7(S285), pp. 133-136. doi: 10.1017/S1743921312000440.

 

 

Visualización del Trabajo de Fin de Grado universitario como una red EgoNet

En el contexto de reelaboración del paradigma de la formación superior, la opción del enfoque de competencias, junto con la formación a lo largo de la vida como marco para sustentar el desarrollo de la formación de los estudiantes, parece una opción lógica si partimos de la idea de que el nuevo edificio conceptual de la formación se erige precisamente sobre el estudiante entendido como persona adulta y autónoma con un potencial personal creativo, científico y profesional.

Especificamente, el Trabajo de Fin de Grado (TFG) en el ámbito de la Comunicación es singular, puesto que se insiste fuertemente en buscar la predisposición a la innovación en los diferentes soportes y producciones audiovisuales y digitales. El alumno aborda el dominio de los cinco conceptos, procedimientos y actitudes fundamentales desarrollados a lo largo del Grado en Comunicación: el lenguaje y la estética, la tecnología, los procesos de producción y programación, la ideología y los valores, la recepción y la audiencia.

Por su parte, las competencias digitales, desarrolladas a partir de conceptos que identifican a generaciones más recientes como la denominada generación red o los nativos digitales parten de la consideración, no siempre acertada, de la existencia de esa generación hábil en destrezas digitales, previas a su acceso en la educación superior. Su utilización intensiva es especialmente demandada en el Trabajo de Fin de Grado en Comunicación, y ello es un rasgo distintivo con otros estudios de Humanidades y Ciencias Sociales, como primera experiencia del estudiante para empezar a formar su entorno personal de aprendizaje, convirtiéndose en alumno activo, “prosumidor” de contenidos formativos que le son útiles, buscando, generando y difundiendo contenidos (Downes, 2007).

Existen numerosos estudios sobre la estructura, procedimientos y fines del TFG. En su mayoría, son de naturaleza técnica y descriptiva de normativas y procedimientos. Una visión integradora de éstos define la acción del estudiante, que constituiría así, progresivamente, una comunidad virtual de aprendizaje. Desde una perspectiva empírica y holística, el Trabajo de Fin de Grado en los estudios de Comunicación pone en relación los tres aspectos constitutivos: el TFG como eje en el que confluyen las Competencias, el Entorno Personal de Aprendizaje, y lo Digital y los Contextos de Movilidad (Cantos y Ruiz-del-Olmo, 2015). En ese sentido recientemente se revisan del modelo de estructura clásica del TFG y su relación con estos nuevos paradigmas, especialmente en el desarrollo de procesos de aprendizaje autónomo y la adquisición de conocimientos prácticos y aplicados en contextos cambiantes o críticos. Proponemos aquí una represntación gráfica de todos ellos, a partir de la siguiente Figura, centrada en el alumno, y que visualiza una representación gráfica tipo EgoNet, adaptada a nuestros propósitos:

Elaboración TFG

EgoNet (Egocentric Network Study Software) es tanto un programa como una metodología analítica que permite recopilar y analizar los datos y relaciones egocéntricos de una red, a partir de un sujeto central o Ego, visualizando se red de relaciones, con su naturaleza y cualidades. Originariamente este tipo de visualizaciones se empleaba en entrevistas cualitativas, especialmente psicólogos y otros investigadores sociales en Alemania (Straus, 2010), aunque es utilizada ampliamente en la representación de diversas redes personales. En este caso nos ha permitido representar la complejidad del Trabajo Fin de Grado, específicamente en Comunicación, y centrado en la actuación y ejecución activa del estudiante como principal actor en su autoformación.

Referencias:

CANTOS, A.; RUIZ-DEL-OLMO, F.J. (2015): Metodología Innovadora para el Trabajo Fin de Grado en Comunicación Audiovisual, Opción, Año 31, No. Especial 2. pp 185 – 203.

DOWNES, S. (2007): Learning networks in practice. Emerging Technologies for Learning, 2, pp 19-27. Disponible en http://dera.ioe.ac.uk/1502/2/becta_2007_emergingtechnologies_vol2_report.pdf. Consultado el 14/09/2015.

STRAUS, F. (2010): “Netzwerkkarten: Netzwerke sichtbar machen”. En STEGBAUER, Christian y HÄUSSLING, Roger. (coord.) Handbuch Netzwerkforschung. pp 527-538. Editorial Verlag für Sozialwissenschaften. Wiesbaden (Alemania).

La interdisciplinariedad, en retroceso

Los enfoques analíticos interdisciplinarios se han venido justificando como necesarios en los objetos de estudio nuevos, y allí donde los paradigmas científicos no están suficientemente asentados. Ello ha sido especialmente aplicado a ámbitos como la comunicación o las representaciones visuales o audiovisuales contemporáneas, por ejemplo; ya sean de naturaleza artística o no, su uso ha sido muy fructífero, abarcando desde los estudios culturales hasta el campo de las humanidades digitales. Pero, más aún que por la aparición de nuevos ámbitos y objetos de estudio, le interdisciplinariedad se justifica especialmente por diversos factores entre los que se encuentran:

  • En primer lugar, la complejidad, ambivalencia o subjetividad del objeto de estudio, según los casos, que haría necesario un abordaje interdisciplinar para su análisis.
  • Por la necesidad de aumentar o potenciar la creatividad científica o simplemente analítica. Se trata de un parámetro que va más allá de un mero sumatorio de paradigmas. El aspecto creativo de la investigación reside también en proponer combinaciones interdisciplinar / transdisciplinar / pluridiciplinar; toda esa combinatoria llevaría a la proposición y constitución de una supradisciplina.
  • Y finalmente, aunque sin pretender aquí agotar las diversas razones, por la búsqueda de modelos, de opciones o de líneas de mejora de un fenómeno; por ejemplo en el ámbito comunicativo, educativo o artístico. Esta sería una línea cercana a los postulados de investigación-acción y conectaría con el análisis cualitativo y evaluativo.

En ese sentido, la interdisciplinariedad se construye tanto desde el punto de vista del paradigma científico a aplicar como del propio objeto de estudio. Ambos se retroalimentan y, por ello, objetos de estudio basados en representaciones visuales ligados a la contemporaneidad y a la cultura visual y de creación de la cultura visual contemporánea precisan a su vez de paradigmas científicos y analíticos interdisciplinares. De otra forma nos encontramos con estudios parciales y sesgados o meramente cuantitativos.

Específicamente en el ámbito de la investigación sobre Comunicación Audiovisual en España, la práctica interdisciplinaria ha sido constante y fructífera. Paralelamente, es valorada desde los discursos oficiales de la investigación académica, como en las convocatorias de incentivos científicos (proyectos y grupos de investigación, publicaciones, etc.) Pero pese a todo ello advertimos sobre el retroceso actual en su difusión e implantación. Sin duda es una opinión que debe ser comprobada con mayor precisión y en base a los datos de producción científica, pero una visión previa, exploratoria y heurística nos lleva a afirmar que en la actualidad las investigaciones auténticamente interdisciplinares cuentan con menores canales de financiación y difusión. Las razones sobre porqué su aplicación en la práctica se ve cada vez más mermada son variadas y complejas, aunque apuntamos algunas de ellas:

  • Por las políticas editoriales de las revistas científicas que apuntan hacia una máxima especialización, segmentación y singularización de los trabajos de investigación que publican, buscando las citas de forma más inmediata. Ello podría tener una clara justificación en la investigación aplicada de carácter más técnico o instrumental, pero resulta a menudo limitador en el ámbito de las humanidades, de la comunicación audiovisual o de las artes visuales en general. Así, incluso en estos ámbitos, se abandona el punto de vista de la totalidad, necesario como se ha dicho en los estudios sobre cultura visual, por un enfoque de laboratorio, donde lo medible y aplicable prima sobre otras consideraciones interpretativas.
  • Además de la lógica de las publicaciones, apuntamos una razón de índole administrativa y de organización de las Universidades. Ésta viene a menudo involuntariamente a entorpecer los análisis globalizadores, en función de las divisiones administrativas entre Áreas de Conocimiento, Facultades y Departamentos, así como por los sistemas de obtención de tramos reconocidos de investigación o la concesión de proyectos de investigación u otras ayudas, que han venido limitando progresivamente la interdisciplinariedad.
  • Por último, y sin entrar en otros debates, las reformas del sistema universitario y su orientación empresarial y enfocada a la praxis para la división social del trabajo, que coadyuva a construcciones de carácter limitante, territoriales, no naturalistas y basadas en una representación cuantitativa de los hechos.

El objeto de estudio en el ámbito de la Comunicación y su validez analítica

Relación cualitativa entre las características del objeto de estudio y los resultados de la investigación
Relación cualitativa entre las características del objeto de estudio y los resultados de la investigación

Las definiciones tradicionales de método científico hacen referencia a un conjunto normativo y ordenado de acciones y operaciones con ciertas reglas, que tienden a la obtención de conocimiento científico. Ello incluye, para que dicho conocimiento resulte válido, premisas como la objetividad del investigador, la claridad y precisión de los conceptos aplicados y el reconocimiento de la comunidad científica de los métodos empleados, entre otras.Estas cuestiones a menudo son debatidas en el marco del proceso de la investigación cualitativa, y con mayor insistencia en disciplinas relativamente jóvenes como las circunscritas a las Ciencias de la Comunicación. Aún hoy encontramos debates metodológicos, por suerte cada día más superados, sobre si la investigación cualitativa en Comunicación posee un sistema metodológico y técnico suficientemente válido y consensuado que permita un reconocimiento inequívoco dentro de la comunidad investigadora. La dificultad para ello es consecuencia de una doble razón y “la culpa” se reparte tanto entre el objeto de estudio como se deriva de la naturaleza consustancial de la investigación cualitativa.

Por un lado, los fenómenos, procesos y contenidos comunicativos son a menudo de naturaleza polisémica, creativa e híbrida; ello es especialmente válido si hablamos de la creación audiovisual o fotográfica y de las transformaciones temáticas y formales ligadas a la creación audiovisual contemporánea (series televisivas, filmes de autor, documental contemporáneo, creación sonora…). En segundo lugar, la propia investigación cualitativa elabora marcos de investigación a menudo abiertos y flexibles, en el que el propio diseño de investigación y las categorías y patrones obtenidos son revisados de manera cíclica y a menudo alterados a medida que avanza la investigación. En ese sentido, lo contextual y lo interpretativo no siempre gozan de la comprensión y el reconocimiento por parte de investigadores que trabajan en otras metodologías.

Algunas reglas generales pueden ayudar a que los resultados de la investigación ligados a un proceso de investigación cualitativa tengan, además de las tradicionales características de estabilidad, credibilidad y aplicabilidad, entre otras, un mayor consenso y certeza de su validez por parte de la comunidad investigadora.

La relación entre unas conclusiones válidas que cumplan con estándares de rigor científico y la naturaleza del objeto de estudio se tornan así muy estrechas. Para ello, y en primer lugar, con una mayor concreción del objeto de estudio la metodología cualitativa se ofrece mayor eficacia analítica y sus resultados provocan un mayor consenso. En segundo lugar, a mayor número de elementos simbólicos y semánticos del objeto de estudio mayor potencia y coherencia analítica puede obtenerse. Y, por último, una mayor precisión en el objeto de estudio, delimitando de forma muy concreta sus perfiles y contenidos, aumentaría igualmente la validez de los resultados de la investigación. Todo ello puede representarse visualmente  en el gráfico conceptual que acompaña a este texto.

El inicio de la legitimación académica de los estudios de software en Comunicación y Humanidades. El papel del museo como institución catalizadora

Resulta a menudo paradójica la contradicción entre la abrumadora presencia (si no total)del software y la digitalización en los procesos cotidianos de producción y consumo del audiovisual y la escasa conciencia del papel sustantivo del software como generador de nuevos medios y discursos. Ciertamente es una línea emergente de estudio, impulsada por Manovich y otros, pero hasta muy recientemente, en el mundo académico, la consideración del software como producto cultural se ha revelado como inexistente o muy marginal. En el ámbito de la Comunicación, por ejemplo, se empezó a vislumbrar su importancia a partir del estudio de las redes sociales, su funcionamiento y representación visual.

En este proceso de legitimación del software como producto cultural, que potencia usos sociales específicos, y mas allá de su consideración técnica, es necesario recordar el valor histórico de algunas instituciones. En concreto, la labor de los museos y las instituciones docentes son una prueba del interés, tanto especializado o científico como popular, sobre la historia de la computación y su sentido social y humano. Al igual que en otras disciplinas, se lleva a cabo aquí una labor de estudio, difusión y divulgación del software, además de la restauración de los dispositivos informáticos asociados.

Entre todas estas instituciones, algunas públicas, otras fundaciones de diversa naturaleza, que están iniciando esta labor ha destacado el Computer History Museum, situado oportunamente en Mountain View, California. Aunque con una historia de varias décadas y sometido a diversos cambios organizativos y de nombre, es en el año 2010 cuando se produce un cierto reconocimiento público. En ese momento más de 2 millones de personas visitan sus exhibiciones virtuales a partir de la página computerhistory.org; Lauren Silver, director del departamento de educación diseñó un plan divulgativo muy ambicioso en el que los artefactos y dispositivos, en sí mismos, no tienen sentido pleno más que con el software, el uso social de éste y la interacción que suscitan. Se organizó el contenido de la institución y los mensajes y comunicación pública de forma que permitiera a los visitantes, tanto de forma real como virtual, participar en las investigaciones históricas y en la exploración que lo otros han descrito sobre la tecnología (Silver: 2010, 48). Otros objetivos específicos declarados fueron el promover la comprensión de la relevancia actual de la historia de los ordenadores, inspirar innovación y creatividad, y buscar que el público experimentara su propia historia personal dentro de los contenidos del museo. En 2011, esta institución mostró una exposición permanente denominada Revolution. Se trató de una destacada exhibición que emplea varias técnicas expositivas: vídeos, modelos, implicación interactiva, gráficos y dispositivos informáticos y numéricos, potenciando que el visitante desarrollara y comprendiera interesantes conexiones entre las áreas de exhibición. Tanto en la instalación física como en la versión en línea el planteamiento expositivo conectó de forma muy eficaz la historia de la computación con la vida cotidiana y la generación de contenidos (textos, audiovisuales, fotográficos, etc.) Este ejemplo resulta muy pertinente en el contexto de estas líneas, porque evidencia el paso de un nivel de conocimiento especializado o técnico a la constancia por parte del público en general y de los docentes e investigadores en particular de la importancia y transcendencia del software en nuestra cotidianidad.

Específicamente en los últimos años ha ido cobrando importancia, dentro del citado museo y en computerhistory.org, el denominado Laboratorio de Software (Tashev, 2014: 4), donde se desmitifica el concepto de la programación, alejándolo de su naturaleza técnica y se apunta en cambio a la interacción y sobre todo al contenido y naturaleza de éste, siguiendo el proceso de desarrollo del software, desde la programación, las pruebas con los usuarios, a la comercialización y el uso de éste.

En todo caso, para nosotros, con estos ejemplos significativos se evidencia el interés, la visibilidad y la legitimación académica e investigadora desde el ámbito de la comunicación social de un producto, el software, y de unos procesos de generación, uso y consumo, que hasta hace muy poco formaban parte sólo de la técnica informática.

Referencias:

SILVER, L. (2010): The education mission, en Core, 2010-2011, pp. 48. Disponible en: www.computerhistory.org/core/media/pdf/core-2010-2011.pdf. Consultado el 5 de diciembre de 2014.

TASHEV, K. (2014): Make software, en Core, 2014, pp. 4-6. Disponible en: www.computerhistory.org/core/media/pdf/core-2014.pdf. Consultado el 20 de diciembre de 2014.

Análisis cualitativo en línea: QCAmap y Coding Analisys Toolkit

En paralelo al auge de las metodologías cualitativas y al desarrollo informático y la computación personal, hacia finales de los años ochenta del siglo XX, se fueron implementando una gran cantidad de programas, inicialmente orientados al análisis de contenido, y denominados CAQDAS (Computer Assisted Qualitative Data Analysis). Su número, naturaleza y funciones han sido estudiados, entre otros, por Miles (1995). La oferta actual en ese sentido es extensa y muy variada; además de las dos opciones vía navegador web que más adelante citaremos, advertimos soluciones avanzadas de carácter comercial como son Atlas.ti, Nvivo, Maxqda, Provalis Research o The Ethnograph, entre otras. También podemos citar un modelo freemium, esto es, con muchas funciones gratuitas y otras más complejas de pago por su uso: QDA Miner o Qiqqa, son ejemplos de ello.

Finalmente otros proyectos responden al esquema de total gratuidad y de código abierto (open source), posibilitando tanto un uso libre como la modificación del programa; entre ellas citaremos a RQDA, Weft QDA, CATMA o TAMS Analyzer. Para Philipp Mayring (2014: 116-117), el uso de programas de ordenador para el análisis de contenido cualitativo es una elección lógica desde el momento en que los materiales (en este caso referidos a archivos de texto) se pueden rápidamente digitalizar y transferir a un programa de software. Otra razón ineludible es que el análisis de contenido precisa de un proceso sistemático, ordenado, de pasos medidos, y en este caso un programa de ordenador resulta de gran ayuda. El programa sirve esencialmente como asistente al investigador. Siendo éste el responsable de la interpretación del texto, la aplicación le ayuda a organizar el material, a estructurar el análisis y a enumerar los resultados. Con esa base, cada decisión de organizar, codificar y de interpretar el material puede ser revisada en cualquier momento del proceso de análisis. Y dado que todo el proceso está documentado, también se puede reconstruir, más tarde, la situación en la cual las interpretaciones se han formulado y se facilitan los ulteriores controles de fiabilidad. A veces, a partir de la estructuración del análisis de contenido, el ordenador puede preparar los resultados del análisis para otros procesos cuantitativos. Además, algunos programas de ordenador para el análisis cualitativo ofrecen simples procesos cuantitativos, facilitando modelos mixtos de investigación.

A diferencia de los programas informáticos de escritorio, de sobremesa, las aplicaciones web se orientan a operar en y con la Red; de modo que virtualizan operaciones remotas, ejecutan buena parte de sus procesos técnicos y comunicativos en navegador de internet. La plataforma de operación se desplaza entonces a la web, y por tanto se multiplican casi tanto como la multitud de servicios que ofrece Internet. Los servicios web están diseñados para ser capaces de operar entre distintas máquinas con diferentes configuraciones y sistemas operativos, alrededor de la red. Los servicios web se mantienen habitualmente en constante versión beta, es decir, en constante revisión y modificación por la empresa u organización que ofrece la aplicación. Y también por las necesidades de transformación a partir de las demandas que los propios usuarios proporcionan, como ocurre en los casos que nos ocupan, presentando unas versiones actualizadas y flexibles (Ruiz-del-Olmo, 2009: 6-7)

Entre las aplicaciones web destacamos especialmente dos, por su trayectoria y elevado número de proyectos que la han utilizado. En primer lugar destacamos QCAmap, que está desarrollada en la Universidad de Alpen-Adria Klagenfut, con la vinculación de Philipp Mayring como uno de sus principales investigadores. Esta Universidad, junto con el Kaerntner Sparkassenfonds y la ASQ (Association for the Support of Qualitative Research) han desarrollado este software para el análisis cualitativo mediante una aplicación web interactiva, de carácter gratuito y de acceso abierto. Para iniciar la codificación se precisa lógicamente de una página de entrada (www.qcamap.org) y otra con información sobre los procedimientos (www.qualitative-content-analysis.aau.at). Debe registrarse una cuenta, cuyos datos son guardados confidencialmente en el servidor. A partir de entonces el software se puede usar desde cualquier lugar y desde diferentes navegadores. Siempre se trabaja con la última versión del programa.

Otro ejemplo significativo es Coding Analisys Toolkit (CAT), que recoge un funcionamiento básicamente similar al anterior (http://cat.ucsur.pitt.edu). Su mantenimiento y alojamiento web se ubica en la Universidad de Pittsburgh (University Center for Social and Urban Research) y en la Universidad de Massachusett Amherst (College of Social and Behavioral Sciencies). Es destacable en ambos casos su acceso abierto, universal y gratuito. También ofrecen la posibilidad de trabajo colectivo, en equipos de investigación, sin limitaciones temporales o geográficas, e independientemente de la plataforma o sistema operativo que utilice el investigador. Igualmente es muy relevante su continua actualización y la incorporación de funciones de guía a la investigación muy avanzadas, hasta ahora sólo disponibles en costosos programas comerciales.

Sin embargo, estos programas presentan algunas limitaciones. Permiten realizar investigación base o fundamental, enfocada sobre todo al tradicional análisis de contenido textual, sin embargo otros enfoques del análisis de texto cualitativo no son tan simples de aplicar; por ejemplo el análisis cualitativo de la imagen o las metodologías visuales. Ello resta valor para su uso en ciencias de la comunicación o en artes y humanidades. Otra limitación, de carácter técnico, hace referencia al espacio de trabajo en diseño de ventanas. En los programas tradicionales la pantalla se divide en diferentes ventanas: ventanas para textos, para los códigos, para las memorias, etc. mejorando la visión global del proyecto. Pero aquí se trabaja de forma más limitada, guiada y estática, con una única ventana activa por lo general, lo que incomoda y resta operatividad a investigaciones complejas y a análisis cualitativos más semánticos.

Referencias:

MAYRING, P. (2014), Qualitative Content Analysis. Theoretical Foundation, Basic Procedures and Software Solution, Klagenfurt. Disponible en: http://files.qualitative-content-analysis.aau.at/200000075-82241831d6/Mayring(2014)QualitativeContentAnalysis.pdf  

RUIZ-DEL-OLMO (2009), Dispositivos móviles y servicios web. Características sociales y comunicativas de su convergencia, en Icono 14 nº 15 (pp. 220-237). DOI: http://dx.doi.org/10.7195/ri14.v8i1.291  

TESCH, R. (1990), Qualitative research: Analysis types and software tools, Falmer Press, London.

Visualizando respuestas de grupos focales

En muchas ocasiones la visualización permite un acercamiento holístico al tema a investigar. Este es un ejemplo de visualización de análisis cualitativo, matizado en algún aspecto por lo cuantitativo, pero sin llegar a un proceso mixto. Se trata de una investigación en curso, publicada una primera fase, cuya referencia puede seguirse más abajo. En ese sentido la investigación describe y codifica cualitativamente cómo los usuarios entienden, perciben y utilizan como prosumidores las aplicaciones de marca y lo que demandan al sistema comunicativo. Para ello se aplican técnicas de investigación en cuatro grupos focales compuestos por jóvenes universitarios:

https://www.academia.edu/7787560/Young_People_as_Users_of_Branded_Applications_on_Mobile_Devices

Respecto al proceso cualitativo, Yin (2011: 6), entre otros y de forma similar, resalta que cabe destacar una serie de fases, como son: el registro de la realidad, su plasmación material en algún tipo de expresión y. codificación, y finalmente su transformación mediante un proceso de elaboración conceptual (como el que ilustramos aquí, por ejemplo). El tipo de análisis cualitativo que se ha llevado a cabo se refiere especialmente a la categoría “estimación” y para inferir relaciones, más que para verificar hipótesis (Krippendorff, 1990).

Los investigadores utilizaron una herramienta informática de diseño, categorización y gestión de datos diseñada para este tipo de análisis. Se trata de programas creados para gestionar los procesos de mecánicos y repetitivos de análisis cualitativo sobre las respuestas, denominadas herramientas CAQDAS (Computer Assisted Qualitative Data Analysis Software). Se optó en este caso por Atlas.ti (versión Windows 7.0). Una más significativa comprensión del diagrama conceptual obtenido precisó la inclusión de un componente cuantitativo: se sitúan más arriba las categorías más veces citadas; por el contrario, los códigos ubicados gráficamente en un nivel inferior representan una menor cantidad de apelaciones en los textos transcritos de los distintos participantes en los grupos focales. Igualmente se incluyen las relaciones entre olas categorías obtenidas. Finalmente, en la figura de ejemplo que se reproduce a continuación, se visualizan las funcionalidades demandadas a las aplicaciones de marca en el ecosistema comunicativo:

Visualización de respuestas grupos focales: funcionalidades demandadas a las aplicaciones de marca (2014)
Visualización de respuestas grupos focales: funcionalidades demandadas a las aplicaciones de marca (2014) 

Referencias:

Krippendorf, K. (1990). Metodología de análisis de contenido: Teoría y práctica. Barcelona: Paidós.

Ruiz, F.J. & Belmonte, A.M. (2014). Los jóvenes como usuarios de aplicaciones de marca en dispositivos móviles. Comunicar, 43, 73-81. (DOI: 10.3916/C43-2014-07).

Yin, R.K. (2011). Qualitative Research from Start to Finish. New York, Guilford Press.

Midiendo las películas (I)

Históricamente parece que fue Barry Salt (1974) quien primero dirigió su atención hacia la importancia del análisis fílmico cuantitativo, buscando el promedio de las longitudes y ritmo de cada plano como una herramienta descriptiva y de estudio de la naturaleza de las obras cinematográficas. Diseñó en ese sentido una herramienta de análisis para calcular la media de la duración temporal de cada plano y la aplicó a un periodo determinado, por ejemplo entre los años veinte y treinta, etc.; posteriormente estableció comparaciones entre diferentes periodos históricos a lo largo de la historia del medio. Todo ello para rastrear y determinar los estilos de los directores, así como las modas y tendencias de creación dentro de la historia del cine.

Otra muestra relevante de estos métodos fué aportada por David Bordwell (2006), aunque en este caso teniendo más en consideración los contextos narrativos del cine clásico. A menudo en colaboración con Kristin Thompson, buscó la creación de sentido narrativo por medio del montaje y se interesó también por promedios de duración de los planos. En su obra The way Hollywood tells it exhibe y explica cómo y porque la aceleración entre cortes de planos se incrementan al pasar de un rango de 8 a 11 segundos antes del año 1960 hasta una medida de 4 a 6 segundos en los últimas décadas.

En este texto señalamos una primera muestra de visualización cualitativa, entre muchas posibles, aportada por el creador y diseñador Frederic Brodbeck a partir de su proyecto de graduación en la Royal Academy of Arts. Su idea, relativamente sencilla, no es mas que obtener una huella digital de una película. El ejemplo muestra el análisis de The Shining (1980), de Stanley Kubrick:

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Pero para alejarse del mero esteticismo visual que apuntábamos en la entrada anterior, estos métodos necesitan complementariamente el punto de vista de otras metodologías cualitativas, ya que resulta determinante para cualquier investigador centrado en los estudios cinematográficos tanto el contexto narrativo como la consideración de la convergencia del cine con otros dispositivos y medios.

En futuras entradas incluiremos otros autores que desarrollan su trabajo en una línea analítica mixta, mas fructífera.

Referencias:

BORDWELL, D. (2006): The way Hollywood tells it. Berkeley and Los Angeles, University of California Press.

BRODBECK, F. (2011): Cinemetrics. Disponible en: http://cinemetrics.fredericbrodbeck.de [Consultado el 5 de junio de 2014]

SALT, B. (1974): Statistical Style Analysis of Motion Pictures, Film Quarterly, no 28, 1.

Infográfica: éxtasis y espectáculo

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El reciente número de la revista Public Culture, editada por Duke University Press, se ocupa de la visualización del entorno y el medio ambiente, abordando desde diferentes ámbitos la representación mediada de la naturaleza. Entre los textos que componen el monográfico me llamó la atención uno que aborda el papel de las representaciones visuales infográficas y su posición cada vez más omnipresente en los medios de comunicación masivos; su presencia es a menudo poco objetiva e informativa y se escora hacia lo estético y lo espectacular: “The Aesthetics of Environmental Visualizations: More than Information Ecstasy?” (Houser, 2014)

Buena parte de sus reflexiones son pertinentes más allá de la temática concreta del medio ambiente. Una sobreabundancia de las visualizaciones de la información, a partir de variadas infografías (o infovis), particularmente visibles a partir de su difusión en medios digitales pervierte la función informativa en su definición más general, esto es, el uso de representaciones visuales asistidas por ordenador a partir de la interacción de datos abstractos para amplificar la cognición (Card, Mackinlay y Shneiderman, 1999: 7). Por contra, su función actual contribuye a la construcción de tendencias estéticas y tecnológicas contemporáneas que surgen en la era presente de la información. Para Houser, con este tipo de infovis, diseñadores y artistas están transformando lo que ha sido una herramienta fundamental en las ciencias y métodos de investigación cuantitativos en una herramienta cultural con diseños progresivamente más sofisticados, audaces y brillantes. Una de sus conclusiones es que por su potencia visual asombrosa y seductora llevaría al espectador hasta un punto de éxtasis sensorial (infogasm):

http://www.publicculture.org/articles/view/26/2/the-aesthetics-of-environmental-visualizations-more-than-information-ecstasy

Referencias:

Card, S., Mackinlay, J. and Shneiderman, B. (1999): Readings in information visualization: using vision to think. Morgan Kaufmann Publishers Inc. San Francisco, CA, USA.

Houser, H. (2014): The Aesthetics of Environmental Visualizations: More than Information Ecstasy?, Public Culture, Volume 26, Number 2, 73: 319-337 doi: 10.1215/08992363-2392084

 

 

 

 

La heurística y los mapas mentales

 

Las representaciones audiovisuales contemporáneas poseen a menudo una gran complejidad, heredera de una base tecnológica avanzada, una creatividad híbrida y multimediática y, en muchos casos, unas estrategias de uso y recepción que multiplican la interpretación del espectador. Por ello, las metodologías cualitativas de investigación o los métodos heurísticos resultan convenientes y útiles. A menudo criticados por incluir en alguna medida elementos subjetivos, personales o vivenciales del investigador, se constituyen sin embargo en un conjunto de recursos de análisis, incluyendo los visuales, que permiten descubrir lo que está ya “ahí fuera” (Banks, 2008). Tanto la observación, y de forma especial la participante, como la entrevista, el análisis de contenido o el estudio de casos pueden precisar de procesos de observación previa o inicial que habitualmente llevan a anotar las impresiones y patrones de significado que son notorios (Flick, 2007).

El proceso exploratorio previo y personal también es muy relevante en el método heurístico, término derivado de la palabra griega heuriskein, esto es, descubrir o encontrar. La heurística nos permite desarrollar estrategias y métodos de descubrimiento y solución para resolver problemas complejos. Ambas metodologías, sobre todo la segunda, y la cualitativa al menos en su fase inicial de aplicación, favorecen la creatividad y el pensamiento lateral o divergente. Y en ambas la elaboración de mapas mentales o representaciones visuales son técnicas habituales y necesarias, como por otra parte observara el matemático George Pólya (1957). En una reciente investigación presentada en la Universidad de Málaga, la Dra. Blanca Machuca analiza el trasvase entre técnicas teatrales y artísticas, destacando el papel del juego y estudiando los casos de Robert Wilson y Tadeusz Kantor. Un diagrama que ayudó en el proceso de investigación, y reproduzco con el amable permiso de su autora, es éste:

Machuca2014

Referencias:

Banks, M. (2008): Using Visual Data in Qualitative Research. Sage, London.

Flick, U (2007): Introducción a la investigación cualitativa. Morata, Madrid.

G. Polya, G. (1957): How to Solve It. Princeton University Press, Princeton, New Jersey.

Sobre la modernidad: a propósito de “Todo lo sólido se desvanece en el aire”, de Marshall Berman

Publicado originariamente en el año 1980, aunque gestado en la experiencia y la práctica docente durante casi veinte años antes, se trata de un texto visionario e influyente que descubrió nuevas claves en la época para explicar el advenimiento del mundo moderno. La obra de Berman es un riguroso y fulgurante análisis de la dialéctica entre modernidad y modernismo. Remontándose al siglo XVI, pasando por la ola revolucionaria francesa de finales del siglo XVIII, para describir finalmente el apogeo de la modernidad en el siglo XX, el académico norteamericano descubre, en la obra de Baudelaire, Marx, Goethe o Dostoievski, y en la evolución urbana de metrópolis como París, San Petersburgo o Nueva York, las constantes contradictorias de la modernidad.

En la edición española de 1988, publicada en Madrid por la editorial Siglo XXI, leemos que “ser modernos es encontrarnos en un entorno que nos promete aventuras, poder, alegría, crecimiento, transformación de nosotros y del mundo y que, al mismo tiempo, amenaza con destruir todo lo que tenemos, todo lo que sabemos, todo lo que somos”; en esas breves líneas el autor condensa las paradojas, ciertamente turbadoras, que van a formar parte de la génesis y del desarrollo de la modernidad.

Traer aquí a Berman, en una página dedicada al análisis cualitativo y heurístico de las representaciones visuales contemporáneas no resulta en modo alguno arbitrario. Junto con otros teóricos, que ocasionalmente aparecerán por estas páginas, forma parte de los autores que reflexionaron sobre el nuevo espacio público, sobre el que se alojaron las representaciones visuales de modernidad, de forma plena a partir del siglo XX.

Desde esa perspectiva y para delimitar la amplitud de la historia de la modernidad, Berman divide esa vasta temporalidad en tres fases. Identifica una primera fase entre los siglos XVI y XVIII. Se trata de un momento histórico en el que se producen los primeros indicios de modernidad pero en el que no existe una conciencia cultural sobre los valores hacia los que se desliza la sociedad. En un segundo período, que arranca con el movimiento revolucionario de 1790, los ideales de la modernidad se presentan de forma abrupta y violenta en un primer plano de la sociedad y la política, sin que a la postre se erradiquen del todo los valores tradicionales del antiguo régimen. El siglo XX traería una la tercera y última fase, en la que la cultura y la economía modernas se expanden primero a todas las esferas de la vida humana para que, finalmente, la modernidad se fragmente de tal forma que “pierde su capacidad de organizar y dar significado a la vida de las personas”. Berman, con obsesión y precisión arqueológica, desentierra cuidadosamente espíritus modernos del pasado y busca también en Marx una nueva dimensión, reivindicado como figura de la modernidad. Igualmente anticipa el movimiento posmoderno, en su desdén hacia la retórica del pasado, en la superación de las diversas sensibilidades del modernismo, en su fusión, a menudo atolondrada, de diversas disciplinas y técnicas artísticas. En definitiva para Berman ser modernos es “experimentar la vida personal y social como una vorágine, encontrarte y encontrar a tu mundo en perpetua desintegración y renovación, conflictos y angustias, ambigüedad y contradicción: formar parte de un universo en el que todo lo sólido se desvanece en el aire” (1988: 365).

Este análisis crítico puede seguirse con más detalle en

http://hdl.handle.net/10630/4970